Paul Klee gehört zu den Künstlern, deren Werke viele Menschen sofort erkennen, auch wenn sie nie davor gestanden haben: eine tunesische Stadt als Farbmosaik, der von Vögeln erfüllte Nachthimmel der „Persischen Nachtigallen“, das maskenhafte Gesicht von „Senecio“. Dieser Artikel erzählt die Geschichten hinter sieben Werken von Paul Klee: einer Kampfszene aus einer Oper, einem Raster mit einem Frühlingsmonat im Titel und zwei späten Arbeiten, von denen die zweite aus seinem letzten Lebensjahr stammt. Hinter jedem Bild steht ein bestimmter Ort, ein Titel oder ein Moment aus seinem Leben.

Die Reise durch die Werke folgt den Jahren ihrer Entstehung. Sie beginnt im April 1914, als eine Tunesienreise seinen Umgang mit Farben veränderte. Sie führt durch die Jahre, in denen Klee am Bauhaus in Weimar und Dessau lehrte, und endet in der Schweiz. Dorthin kehrte er 1933 zurück und arbeitete bis an sein Lebensende. Dazwischen wandelte sich seine Bildsprache immer wieder. Die dichten Farbfelder von 1919 und die fensterartigen Blöcke von 1917 stehen auf der einen Seite. Auf der anderen finden sich die schwebenden Formen von 1930 und die leichten, zeichenhaften Figuren von 1938. Alle sieben Motive gibt es als Drucke in unserer Paul-Klee-Kollektion. Wir restaurieren sie von Hand und drucken sie selbst in Barcelona.

Wie prägte die Tunesienreise das Aquarell „Hammamet“?

Im April 1914 reiste Klee mit den Malern August Macke und Louis Moilliet nach Tunesien. Ihre Route führte durch Tunis, St Germain, Hammamet und Kairouan. Der Bestandskatalog des Metropolitan Museum of Art vermerkt, dass Klee Hammamet am 14. April besuchte. Nur wegen dieses Besuchs taucht die Stadt überhaupt in seinem Werk auf. Ihr Muster aus sonnenbeschienenen Häuserblöcken ist in diesem tunesischen Aquarell zu erkennen.

Hammamet ist eine Stadt an der tunesischen Küste. Der Titel verbindet das Bild mit einer Reise, behauptet aber nicht, eine bestimmte Straße abzubilden. Klee malte den Eindruck, den der Ort auf ihn machte, sein Licht und seine Farben, keine genaue Ansicht der Stadt. Das Aquarell setzt sich aus einem Mosaik geometrischer Flächen zusammen. Feine dunkle Linien halten ein lockeres Raster zusammen, während Rot, Blau und Gelb neben sanfteren Zwischentönen leuchten; das Ganze wirkt wie eine Mittelmeerstadt im grellen Sonnenlicht.

Zwei Aquarelle aus Hammamet von 1914 sind dokumentiert. Das Met besitzt „Hammamet mit seiner Moschee“, das laut Bestandskatalog außerhalb der Stadtmauern entstand. Oben sind die Moschee mit zwei Türmen und Gärten zu sehen, während sich der untere Bildbereich in durchscheinende Farbflächen auflöst. Das Met verweist dabei auf Robert Delaunay und darauf, wie er die reine Farbe zum Gegenstand eines Bildes machte. Das Kunstmuseum Basel besitzt ein weiteres Blatt von 1914 mit dem Titel „Motiv aus Hammamet“, ausgeführt in Aquarell und Bleistift auf Papier auf Karton.

Die Veränderung seines Farbempfindens hielt Klee selbst fest. Vor den Toren von Kairouan notierte er in seinem Tagebuch, dass die Farbe ihn ergriffen habe. Diese frühen Blätter aus Hammamet entstanden vor dem Bauhaus, vor den Jahren als Lehrer, die Klee berühmt machten. Das Metropolitan Museum of Art merkt an, man könne sagen, seine Ausbildung habe bis zu dieser Reise gedauert. Die Farbe ist schon da. Die Theorie ist noch nicht formuliert.

Was fügt der Titel „Persische Nachtigallen“ den Vögeln und Ornamenten hinzu?

1917, mitten im Ersten Weltkrieg, schuf Klee „Persische Nachtigallen“. In diesen Jahren diente er in der deutschen Armee und arbeitete weiter. Das Blatt gehört heute der National Gallery of Art in Washington. Sie beschreibt die Technik als Gouache, Aquarell sowie Feder und schwarze Tusche über Graphit auf Büttenpapier, auf Karton aufgezogen. Das Blatt ist klein, ungefähr so groß wie eine Notizbuchseite. Es zeigt abstrahierte Vögel, Sterne und ornamentale Formen in feinen schwarzen Linien. Blau, Rosa, Rot und Gelb setzen Akzente auf einem Grund, der an Pergament erinnert.

Der Titel verbindet einen persischen Bezug mit einem Vogel, der für seinen Gesang bekannt ist. Er nennt weder ein bestimmtes Gedicht noch einen Auftrag. Doch die Deutung des Museums lohnt einen Blick. Die National Gallery of Art vermutet, dass das Werk auf den persischen Dichter Hafis aus dem 14. Jahrhundert anspielt, bei dem Nachtigall und Rose wiederkehrende Motive sind. Klee lernte Hafis wahrscheinlich durch Goethes „West-östlichen Divan“ kennen, der den Dichter im deutschen Sprachraum bekannt machte. Das ist eine Vermutung des Museums, keine schriftlich belegte Aussage von Klee. Doch sie erklärt die Verbindung von persischen Ornamenten und singendem Vogel besser als jede andere Deutung.

In der Dichtung von Hafis stehen Vogel und Rose gemeinsam für Sehnsucht und Hingabe. Mit diesem Wissen verändert sich der Blick auf die Ornamente: Was zunächst wie Dekoration aussieht, wird zu einem Liebeslied aus Mustern statt Worten.

Musik begleitete Klee sein Leben lang. Er war ein begabter Geiger und hatte kurz erwogen, die Musik zum Beruf zu machen, bevor er sich für die Malerei entschied. Ein singender Vogel bringt ein Bild dem Klang denkbar nah. In den Vögeln und Sternen dieses Drucks verbinden sich seine beiden Künste besonders deutlich. Den persischen Hintergrund müssen Sie dafür nicht kennen. Die feinen schwarzen Linien geben dem Bild einen Rhythmus, dem das Auge folgt.

Der spätere Weg des Blattes lässt sich leichter nachzeichnen als seine literarische Quelle. Es gehörte zunächst Heinz Berggruen in Paris und Walter Feilchenfeldt in Zürich, bevor Catherine Gamble Curran aus New York es 1973 kaufte. 1990 schenkte sie der National Gallery of Art einen Anteil an dem Werk und versprach, ihr den Rest später zu überlassen.

Was verrät „Baldgreis“ über das Gesicht in „Senecio“?

1922, in seinen ersten Jahren als Lehrer am Bauhaus in Weimar, malte Klee „Senecio“. Weder ein Auftrag noch eine porträtierte Person sind dokumentiert. Für ein Bild, das so sehr nach einem Porträt aussieht, ist das ungewöhnlich. Das Gesicht ist stilisiert statt nach der Natur gemalt: Rechtecke in Orange, Rosa, Gelb und Weiß umgeben ruhige, ungleich angeordnete Augen. Dieses maskenhafte Gesicht können Sie sich als Kunstdruck mit warmer geometrischer Farbigkeit an die Wand hängen.

Den deutschen Alternativtitel „Baldgreis“ haben Kunsthistoriker als wörtliche Übersetzung oder als scherzhaften Hinweis auf jemanden gedeutet, der bald alt wird. Das deutsche bald bedeutet in Kürze und hat nichts mit Haaren zu tun. Manche Autoren geben den englischen Bildtitel als „Head of a Man Going Senile“ wieder. Beide Namen verweisen auf das Alter und lassen das Gesicht als das eines alten Mannes erscheinen.

Der lateinisch klingende Name hat auch einen botanischen Bezug. In der deutschsprachigen Wikipedia zitierte Kunsthistoriker bringen „Senecio“ mit dem Gewöhnlichen Greiskraut in Verbindung. Dessen runde Samenstände vergleichen sie mit dem kreisförmigen Gesicht und seinen fleckenartigen Farbfeldern. Ein Dreieck und eine gebogene Linie über einem Auge wirken wie eine hochgezogene Augenbraue.

Autoren erkennen in dem Bild außerdem Einflüsse afrikanischer Masken und des Puppentheaters sowie der Grundformen Quadrat, Dreieck und Kreis, die Wassily Kandinsky am Bauhaus propagierte. Das Original gehört heute dem Kunstmuseum Basel. Das kleine Bild ist mit Ölfarbe auf Kreidegrund auf Gaze und Karton gemalt. Klee malte es in Weimar. Das Museum kaufte es 1931, neun Jahre nach seiner Entstehung, als Klee noch aktiv war.

Was macht die Kampfszene aus „Der Seefahrer“ zur Opernszene?

Klee schuf dieses Werk 1923, ebenfalls während seiner Zeit am Bauhaus in Weimar. Der vollständige Titel, „Kampfscene aus der komisch-phantastischen Oper ‚der Seefahrer‘“, verrät bereits viel: Er nennt eine Kampf- oder Schlachtszene und die Art von Geschichte, zu der sie gehört, eine komisch-phantastische Oper namens „Der Seefahrer“. Das Kunstmuseum Basel besitzt das Original, das in Klees Werkzählung die Nummer 123 für 1923 trägt.

Der Titel macht das Bild zur Theaterszene, noch bevor man es genauer betrachtet hat. Auf dem Blatt deuten vereinfachte, rhythmische Formen Wellen und das Leben auf See an, als wäre die Szene in Noten aufgeschrieben statt gemalt. Tiefes Meeresblau trifft auf warmes Rosa und Rot; dunkle Linien halten alles zusammen. In dieser Opernszene können Sie das selbst sehen.

Musik war für Klee keine Nebensache. Er wuchs mit musikalischen Eltern auf, war ein begabter Geiger und erwog kurz eine Laufbahn als Musiker. Der Opernbezug im Titel ist deshalb keine beiläufige Verzierung. Er stammt aus einem Bereich, in dem Klee sich auskannte. Die Theateridee ist seine eigene.

Was der Titel nicht nennt, ist eine tatsächliche Aufführung. In den Quellen steht weder, dass eine Oper dieses Namens aufgeführt wurde, noch, dass Klee sie komponierte oder jemand das Blatt als Bühnenbild in Auftrag gab. Belegt ist ein Werk von 1923, das dazu einlädt, sich die Aufführung vorzustellen. Der Druck lässt diese Offenheit bestehen: Um den Kampf zu verfolgen, müssen Sie die Oper nicht kennen.

Wie erinnert das abstrakte Raster in „Maibild“ an den Frühling?

„Maibild“ entstand 1925. In diesem Jahr zog das Bauhaus von Weimar nach Dessau, wo Klee lehrte. Das Gemälde zeigt eine Landschaft, die in kleine Quadrate zerlegt ist. Sie scheinen sich über die Bildränder hinaus fortzusetzen. Das Metropolitan Museum of Art, dem das Original gehört, ordnet es einer Werkgruppe zu, die es als Reihe der magischen Quadrate bezeichnet.

Diese Serie ging unmittelbar aus der Tunesienreise von 1914 hervor. Der Bestandskatalog des Met stellt die Verbindung her: Was Klee damals im nordafrikanischen Licht sah, wurde ein Jahrzehnt später zu einem System aus Farbfeldern. Jeder Block hat seinen eigenen Ton, und zusammen ergeben sie ein Ganzes. Laut Katalog lassen sich die Quadrate als unregelmäßig geformte Steine eines Mosaiks lesen. Hier kommt der Frühling des Titels ins Spiel.

Der Mai steht für den Frühling, nicht das Entstehungsdatum. Der Titel sagt nicht, wann es gemalt wurde. Er lädt dazu ein, die Grüntöne und sanften Übergänge als Frühling zu sehen. Im lockeren Raster mischen sich Grün, Rot, Blau und gedämpfte Grautöne. Feines Schwarz umrandet jedes Feld, während die weichen Übergänge die ganze Fläche in Bewegung halten. Ein Spaziergang im Mai ist ein wenig so: viele Grüntöne zugleich und Lichtflecken, die mit den Wolken wandern.

Wenn Sie dieses Raster aus der Bauhauszeit länger betrachten, finden Sie die Jahreszeit eher im Rhythmus als in einer einzelnen Farbe. Das Metropolitan Museum of Art sieht in dem Bild einen Beleg für Klees anhaltendes Interesse an der Farbenlehre, die auch seinen Unterricht am Bauhaus prägte.

Wo liegt der Park aus „Park bei Lu.“?

1938 lebte Klee bereits seit fünf Jahren wieder in der Schweiz. 1933 hatten die Nationalsozialisten seine Entlassung von der Düsseldorfer Akademie erwirkt. Ende des Jahres verließ er Deutschland mit seiner Frau und kehrte in seine Heimatstadt Bern zurück. „Park bei Lu.“, so der deutsche Titel des Gemäldes, entstand in den folgenden Jahren. Es gehört heute dem Zentrum Paul Klee in Bern. Das Gemälde ist in Öl und Kleisterfarbe auf Papier auf Jute ausgeführt; auch die ursprünglichen Rahmenleisten sind erhalten.

Der knappe Titel wirkt wie eine Notiz. Die Schweizer Tourismusseite, die das Werk unter den kulturellen Sehenswürdigkeiten Berns vorstellt, deutet ihn als Park bei Luzern: Demnach geht das Gemälde auf einen Natureindruck zurück, den Klee dort in einem Park empfing. Lu ist also die Abkürzung für die Stadt. Das Gemälde ist groß. Seine kahlen Äste wirken wie kräftige schwarze Striche, zwischen denen leuchtende Farben stehen.

Die Schweizer Tourismusseite weist auf etwas Bemerkenswertes hin: Die Äste sind kahl wie im Winter, und doch ist dies kein Winterbild. Frühling und Winter, Tod und Blüte stehen in einem Bild nebeneinander. Museums- und Galerieeinträge datieren „Park bei Lu.“ auf 1938. Hängen Sie sich diese späte geometrische Landschaft an die Wand und entscheiden Sie selbst, welche Jahreszeit überwiegt.

Was verrät Klees letztes Lebensjahr über „die Stunde vor einer Nacht“?

Klee datierte dieses Werk auf 1940, das Jahr, in dem er am 29. Juni in Muralto bei Locarno starb. Damit entstand es in seinen letzten sechs Lebensmonaten. Wann genau es entstand und welche Nacht gemeint ist, verrät das Datum nicht. Der Titel, „die Stunde vor einer Nacht“, nennt eine Stunde und eine Nacht, sonst nichts: kein Ereignis, keinen Menschen, keinen Ort. Das Werkverzeichnis übersetzt den Titel mit „The Hour Before a Night“ ins Englische. Das Metropolitan Museum of Art, dem das Blatt gehört, führt es dagegen als „The Hour Before One Night“.

Kräftige schwarze Linien bilden ein Netz kantiger Formen auf gedämpft grauem Grund, dazu kommen flächige Akzente in Rot und Blau. Das Verhältnis von Ordnung und Spontaneität ist typisch für Klees Spätwerk: Die Linien lenken den Blick, während die Formen offen und unbenannt bleiben. In diesem kargen Spätwerk können Sie diese Spannung selbst sehen.

Sein späterer Weg lässt sich leichter nachzeichnen als seine innere Bedeutung. 1952 wurde das Blatt an Baron Floris Carselius van Pallandt in Den Haag verkauft. Durch Erbschaft gelangte es in eine Privatsammlung und wurde am 1. Dezember 1981 bei Christie's in London an Heinz Berggruen verkauft. Berggruen schenkte es 1984 dem Met. Dort gehört es zur Sammlung The Berggruen Klee Collection, ist laut Bestandskatalog derzeit jedoch nicht ausgestellt. Auf dem Träger sind noch Klees Eintragungen zu sehen: seine Signatur oben links und die Nummer 1940 L 17 unten links.

Die letzten Jahre waren schwer für Klee. Nach Hitlers Machtübernahme verlor er seine Stelle in Düsseldorf, und die Gestapo durchsuchte sein Haus und sein Atelier. 1933 kehrte er in die Schweiz zurück. Trotz Isolation und finanzieller Unsicherheit arbeitete er bis zuletzt weiter. Das Datum auf diesem Blatt belegt seine Beharrlichkeit und bedeutet nicht, dass er die im Titel genannte Nacht vorhersah. Welche Nacht der Titel meint, hat Klee nie erklärt. Auch dieses Rätsel macht die Wirkung des Bildes aus.

Schon gewusst?

• Klee begann 1898, mit neunzehn Jahren, Tagebuch zu führen. Jeden Eintrag versah er mit einem Datum und einer Nummer.
• Das Metropolitan Museum of Art merkt an, dass seine 1898 in München begonnene künstlerische Ausbildung bis zur Tunesienreise von 1914 gedauert haben könnte.
• 2014 vereinte das Zentrum Paul Klee erstmals seit fast dreißig Jahren wieder mehr als 140 Werke, die während der Tunesienreise entstanden oder von ihr angeregt worden waren.
• „Maibild“ gehört zur Sammlung The Berggruen Klee Collection am Metropolitan Museum of Art. Es kam 1984 als Schenkung dorthin.
• Klee wurde am 18. Dezember 1879 in Münchenbuchsee bei Bern geboren.
• Klee starb am 29. Juni 1940, kurz bevor er das Schweizer Bürgerrecht erhalten hätte, und ist in Bern begraben.

Häufige Fragen zu Paul Klee

Welchem Kunststil lässt sich Paul Klee zuordnen? Klee lässt sich nur schwer einer einzigen Kunstrichtung zuordnen. Seine Bildwelt blieb eigenständig, auch wenn der Unterricht am Bauhaus sein späteres Werk prägte. Er baute Bilder aus Zeichen, Rastern und kleinen Farbfeldern auf. Oft geben feine schwarze Linien die Struktur vor. Die Reihe der magischen Quadrate zeigt das besonders deutlich.

Welche Museen besitzen Gemälde von Paul Klee? Diese sieben Werke verteilen sich auf vier Sammlungen: das Metropolitan Museum of Art in New York, die National Gallery of Art in Washington, das Kunstmuseum Basel und das Zentrum Paul Klee in Bern. Das Met führt „die Stunde vor einer Nacht“ als derzeit nicht ausgestellt. Prüfen Sie das vor Ihrem Besuch.

Was ist „Senecio“ von Paul Klee? Es ist ein Porträt von 1922, aufgebaut aus flächigen geometrischen Formen in Orange, Rosa, Gelb und Weiß. Der deutsche Alternativtitel „Baldgreis“ spielt auf das Älterwerden an. Das Kunstmuseum Basel kaufte das Original 1931, neun Jahre nach seiner Entstehung.

Warum veränderte Tunesien Klees Umgang mit Farben? Im April 1914 erlebte Klee mit August Macke und Louis Moilliet das nordafrikanische Licht und die Architektur. Vor den Toren von Kairouan notierte er in seinem Tagebuch, dass die Farbe ihn ergriffen habe. Das Metropolitan Museum of Art zieht eine Linie von dieser Reise über die durchscheinenden Farbflächen seiner Hammamet-Aquarelle bis zu den Rastern der magischen Quadrate aus den 1920er-Jahren.

Hat Paul Klee musiziert? Er wurde 1879 als Sohn musikalischer Eltern geboren und erwog als begabter Geiger kurz, Musik zum Beruf zu machen. Musik taucht auch in seinen Titeln auf: Das Werk von 1923 zu „Der Seefahrer“ nennt eine komisch-phantastische Oper, und der singende Vogel der „Persischen Nachtigallen“ bringt ein musikalisches Motiv in die Malerei.

Welche dieser Werke kann ich zu Hause aufhängen? Alle sieben gehören zur Paul-Klee-Druckkollektion auf unserer Website. Wir drucken jedes Motiv in Barcelona auf Fine-Art-Papier in Museumsqualität und versenden die Drucke europaweit. Die Poster aus diesem Artikel sind ein guter Anfang, ob Sie die warme Geometrie von „Senecio“ oder die dunkleren Linien des Spätwerks „die Stunde vor einer Nacht“ bevorzugen.

Poster aus unserer Kollektion

• Hammamet (Paul Klee, 1914)
• Bunte Architektur (Paul Klee, 1917)
• Freie Formen (Paul Klee, 1930)
• Senecio (Paul Klee, 1922)

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Über den Autor

MORYARTY Vintage Posters wurde 2015 mit einer einfachen Überzeugung gegründet: Kunst sollte nicht nur Menschen mit hohem Einkommen offenstehen. Wir finden unsere Postermotive in Museen, Bibliotheken, Online-Sammlungen und Privatsammlungen. Jedes restaurieren wir von Hand, ohne Gestaltung oder Farben zu verändern, und drucken es selbst in Barcelona auf Fine-Art-Papier in Museumsqualität. In fünf Geschäften können Sie unsere Poster persönlich ansehen: zwei in Barcelona und drei in Lissabon. Jeder Druck wird von Barcelona aus europaweit verschickt.

Quellen

• Paul Klee, Britannica, https://www.britannica.com/biography/Paul-Klee
• Biografie von Paul Klee, Zentrum Paul Klee, https://www.zpk.org/en/paul-klee-biography
• „Hammamet mit seiner Moschee“, The Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483158
• „Persische Nachtigallen“, National Gallery of Art, https://www.nga.gov/fun-and-games/coloring-pages/71551-persische-nachtigallen-persian-nightingales
• „Park bei Lu.“, MySwitzerland, https://www.myswitzerland.com/en-us/experiences/cities-culture/art-culture/art/park-near-lu/
• „die Stunde vor einer Nacht“, The Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483183