EGON SCHIELE|8 MIN. LESEZEIT
Wer war Egon Schiele?
Eine übersichtliche Biografie des österreichischen Expressionisten, von seiner Ausbildung und der Verbindung zu Gustav Klimt bis zu seinen radikalen Figurenzeichnungen, Hauptwerken und seinem frühen Tod.
AUTOR MORYARTY
Egon Schiele wurde 1890 in Österreich geboren und entwickelte sich zu einem der prägenden Künstler des Wiener Expressionismus, bevor er mit 28 Jahren starb. In seinen Porträts, Selbstporträts und Figurenzeichnungen ersetzte er akademische Schönheitsideale durch kantige Körper, entblößte Haut und eine unmittelbare psychologische Beobachtung.
Seine Laufbahn entfaltete sich in den letzten Jahren der österreichisch-ungarischen Monarchie. Sie umfasste eine formale Ausbildung in Wien, die Unterstützung durch Gustav Klimt, eine Haftstrafe wegen einer erotischen Zeichnung, den Militärdienst im Ersten Weltkrieg und eine bedeutende Ausstellung, kurz bevor die Grippepandemie von 1918 sein Leben beendete.
Der Künstler auf einen Blick
Er arbeitete vor allem mit Bleistift, schwarzer Kreide, Gouache und Aquarellfarbe auf Papier. Häufig zog er eine durchgehende Kontur um den Körper, setzte Farbe nur in ausgewählten Bereichen ein und ließ große Teile des Blattes unberührt. Das sichtbare Papier trennt die Figur von jedem eindeutig erkennbaren Raum oder Schauplatz.
Porträts und menschliche Körper dominieren sein erhaltenes Werk. Zu seinen Modellen gehörten Familienmitglieder, Mäzene, Kinder, Sexarbeiterinnen, Künstlerkollegen, seine Geliebte Walburga 'Wally' Neuzil und seine Ehefrau Edith Harms. Auch sein eigenes Aussehen untersuchte er in Dutzenden Selbstporträts, wobei er Haltung, Gesichtsausdruck und scheinbares Alter immer wieder veränderte.
Die Bilder können spontan wirken, doch die Kompositionen waren sorgfältig kontrolliert. Hände, Ellbogen und Knie reichen häufig bis an die Ränder des Papiers. Ein angeschnittener Fuß oder Arm war meist eine bewusste kompositorische Entscheidung und kein Hinweis auf eine unvollendete Studie.
Seine frühen Jahre in Österreich
Er wurde am 12. Juni 1890 in Tulln an der Donau geboren, einer Eisenbahnerstadt nordwestlich von Wien. Sein Vater Adolf Schiele war Bahnhofsvorsteher. Seine Mutter Marie Soukup stammte aus Krumau, dem heutigen Český Krumlov in Tschechien.
Eisenbahnen tauchten immer wieder in seinen Kinderzeichnungen auf. Die Familie lebte nahe den Gleisen, und in erhaltenen Schulheften finden sich Skizzen von Lokomotiven und Waggons. Sein Vater soll einige Zeichnungen zerstört haben, weil er sie als Ablenkung von der Schularbeit betrachtete.
Adolf litt an Syphilis und starb 1905. Daraufhin wurde Leopold Czihaczek, ein Onkel mütterlicherseits, zum gesetzlichen Vormund des Jungen. Czihaczek wollte, dass er einen sicheren Beruf ergriff, stimmte seiner Bewerbung an einer Kunstschule schließlich jedoch zu.
1906 trat er im Alter von 16 Jahren in die Akademie der bildenden Künste Wien ein. Er studierte bei Christian Griepenkerl, einem Maler historischer und allegorischer Motive. Die Akademie verlangte von ihren Studenten, Gipsabgüsse zu kopieren und beim Zeichnen des menschlichen Körpers den etablierten Regeln zu folgen.
Dieses System frustrierte ihn. 1909 verließ er die Akademie und gründete gemeinsam mit Kommilitonen wie Anton Peschka und Franz Wiegele die Neukunstgruppe. Ihre erste Ausstellung fand noch im selben Jahr im Kunstsalon Pisko in Wien statt.
Gustav Klimt öffnet Türen
Als der junge Schiele in die Akademie eintrat, war Gustav Klimt der führende moderne Maler Wiens. Klimt hatte 1897 mit dem konservativen Künstlerhaus gebrochen und die Wiener Secession mitbegründet, eine Ausstellungsgesellschaft, die neue Kunst aus Österreich und dem Ausland förderte.
Die beiden Künstler begegneten sich um 1907. Klimt ermutigte den Jüngeren, erwarb Zeichnungen und stellte Kontakte zu Mäzenen und Modellen her. Schiele nahm außerdem an der Internationalen Kunstschau von 1909 teil, auf der Klimt, Oskar Kokoschka, Edvard Munch und Vincent van Gogh vertreten waren.
Der Einfluss von Klimt ist in den frühen Arbeiten deutlich zu erkennen. Flächige Hintergründe, gemusterte Kleidung und lang gestreckte Silhouetten spiegeln die dekorative Formensprache der Secession wider. Das Porträt von 1908, das meist Rotes Haar, blauer Hut genannt wird, gehört in diese Phase, in der ornamentale Stoffe noch mit Gesicht und Körper des Modells konkurrierten.
Klimt machte aus seinem Schützling keinen Nachahmer. Er vermittelte Kontakte und bot berufliche Unterstützung, ohne ihm eine bestimmte Methode aufzuzwingen. Bis 1910 hatte der jüngere Maler Gold, Ornamente und den anmutigen Rhythmus der Oberflächen weitgehend aus seinen Bildern entfernt.
Eine härtere Linie entsteht
Der Wandel wurde in den Selbstporträts von 1910 sichtbar. Die Körper wurden dünner, die Gelenke schärfer und die Haut erhielt grüne, rote oder ockerfarbene Markierungen. Schwarze Kreide erzeugte eine trockene, gebrochene Kontur, die sich von den weicheren Umrisslinien von Klimt unterschied.
Farbe setzte er gezielt ein, statt den gesamten Körper plastisch zu modellieren. Eine Wange, Brustwarze, ein Fingerknöchel oder eine Haarpartie konnte mehrere konzentrierte Striche erhalten, während das umliegende Papier leer blieb. Diese Sparsamkeit verlieh kleinen Zeichnungen die visuelle Kraft wesentlich größerer Gemälde.
1911 zog er mit Wally Neuzil nach Krumau, dem Geburtsort seiner Mutter. Die Einwohner nahmen Anstoß an dem unverheirateten Paar und an den jungen Modellen in seinem Atelier. Noch im selben Jahr zogen beide nach Neulengbach westlich von Wien.
Die Polizei verhaftete ihn im April 1912 in Neulengbach, nachdem ein minderjähriges Mädchen in seiner Begleitung eine Nacht von zu Hause fortgeblieben war. Die Vorwürfe der Entführung und des sexuellen Fehlverhaltens wurden fallengelassen. Verurteilt wurde er jedoch, weil erotische Zeichnungen für Minderjährige zugänglich gewesen waren. Einschließlich der Untersuchungshaft verbrachte er 24 Tage in Gewahrsam, und der Richter verbrannte im Gerichtssaal eine Zeichnung.
Die Haft beendete seine Karriere nicht, veränderte jedoch seine Lebensumstände. Er kehrte nach Wien zurück und stützte sich stärker auf etablierte Sammler, darunter der Industrielle August Lederer und der Kunsthändler Hans Goltz. Porträtaufträge und Ausstellungen boten ein verlässlicheres Einkommen als die informellen Atelierverhältnisse in Neulengbach.
Auch sein Privatleben veränderte sich. 1914 kam er Edith Harms näher, die mit ihrer Familie gegenüber von seinem Wiener Atelier wohnte. Er beendete die Beziehung mit Wally und heiratete Edith am 17. Juni 1915, drei Tage vor seinem Antritt zum Militärdienst.
Seine Aufgaben beeinträchtigten seine Arbeit weniger, als es ein Fronteinsatz getan hätte. Er bewachte russische Gefangene bei Mühling und arbeitete später in militärischen Versorgungsstellen. Offiziere erlaubten ihm mitunter zu zeichnen, und während seiner Dienstzeit entstanden Porträts von Gefangenen und Kollegen.
Hauptwerke einer kurzen Laufbahn
Tote Mutter I, 1910 gemalt, gehört zur ersten eigenständigen Phase. Das Bild zeigt einen dunklen mütterlichen Körper, der ein lebendes Kind umschließt, und kehrt damit die Wärme um, die man von einer traditionellen Darstellung von Madonna und Kind erwartet. Das Motiv steht in Verbindung mit seiner wiederkehrenden Beschäftigung mit Schwangerschaft, Geburt und Sterblichkeit.
Selbstbildnis mit Lampionfrüchten von 1912 zeigt den Künstler in einem schwarzen Gewand neben einem Zweig mit orangefarbenen Lampionblumen. Das blasse Gesicht, die hochgezogene Schulter und der angeschnittene Oberkörper erzeugen eine wachsame, abwehrende Haltung. Das Leopold Museum in Wien bewahrt das Gemälde als Teil seiner umfangreichen Sammlung seiner Werke.
Bildnis Wally Neuzil, ebenfalls 1912 gemalt, zeigt Wally mit direktem Blick vor einem hellen Hintergrund. Die spätere Besitzgeschichte wurde beinahe ebenso bekannt wie das Bild selbst. Das Gemälde wurde 1998 in New York beschlagnahmt, als es als Leihgabe im Museum of Modern Art ausgestellt war. Es folgte ein langwieriger Restitutionsstreit, der 2010 mit einem Vergleich endete.
Die Eremiten von 1912 zeigt zwei dunkle, eng aneinandergerückte Ganzfiguren. Die zweite Figur wird allgemein mit Klimt in Verbindung gebracht, obwohl das Gemälde kein wörtlich zu verstehendes Doppelporträt ist. Der Künstler bezeichnete es später als Trauerbild. Seine nahezu monochrome Oberfläche unterscheidet sich von seinen farbintensiveren Aquarellen.
Tod und Mädchen entstand 1915 nach der Trennung von Wally und der Heirat mit Edith. Eine Frau klammert sich auf kahlem Grund an eine männliche Gestalt im Gewand. Der heute gebräuchliche Titel verbindet ihre Umarmung mit Trennung und Tod, Themen, die während des Krieges zur unmittelbaren Realität wurden.
Sitzende Frau mit angezogenem Knie von 1917 zeigt Edith in gestreiften Strümpfen und einem lockeren grünen Gewand. Ihr Körper ist von oben gesehen, wodurch die angewinkelten Gliedmaßen zum Gerüst der Komposition werden. Die Gouachezeichnung mit schwarzer Kreide gehört der Albertina in Wien.
Die Familie, 1918 gemalt, begann als Doppelporträt und wurde später zu einer Darstellung von Mann, Frau und Kind überarbeitet. Die männliche Figur ähnelt dem Künstler, während die Frau kein direktes Porträt von Edith ist. Das Kind war eine Vorstellung, denn Edith war bei ihrem Tod schwanger und das Paar hatte keine überlebenden Kinder.
Anerkennung und Katastrophe
Bei der 49. Ausstellung der Wiener Secession im März 1918 erhielt er den Hauptraum. Er entwarf das Ausstellungsplakat und zeigte 50 Werke. Verkäufe und Aufträge folgten und brachten ihn nach dem Tod von Klimt am 6. Februar desselben Jahres in eine stärkere berufliche Position.
Dieser Erfolg währte nur wenige Monate. Die im sechsten Monat schwangere Edith starb am 28. Oktober 1918 an der Grippe. Ihr Mann erlag derselben Krankheit drei Tage später, am 31. Oktober. Er wurde auf dem Ober Sankt Veiter Friedhof in Wien beigesetzt.
Durch seinen frühen Tod konzentriert sich sein Werk auf einen Zeitraum von etwa einem Jahrzehnt. Museen betrachten die Zeichnungen heute als vollendete Werke und nicht mehr als bloße Vorarbeiten für Gemälde. Ihre leeren Flächen, gebrochenen Konturen und verdichteten Posen beeinflussten spätere Künstler, die sich mit körperlicher Verletzlichkeit beschäftigten, darunter Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville und Tracey Emin.
Museen und Sammler müssen sich außerdem mit den Besitzgeschichten jener Werke befassen, die während und nach der NS-Herrschaft durch Österreich gingen. Der Streit um das Bildnis Wally lenkte die öffentliche Aufmerksamkeit auf Provenienzforschung, Restitution und den erzwungenen Verlust jüdischer Sammlungen.
Expressive Figurenzeichnungen im Wohnraum
Diese Werke eignen sich für Räume, in denen Papier und Linie sichtbar bleiben können. Eine dicht bestückte Galeriewand kann eine kleine Figurenzeichnung überlagern, während ein einzelner Druck mit großzügigem Abstand die Isolation des ursprünglichen Blattes bewahrt. Unsere Schiele-Kollektion umfasst Porträts, sitzende Figuren und Ausstellungsentwürfe. Der Ausstellungsdruck der Galerie Arnot kommt besonders gut als Einzelmotiv zur Geltung.
Schwarzes Aluminium passt zu den dunklen Konturen und handschriftlichen Signaturen. Das schmale Profil eines schwarzen Aluminiumrahmens verzichtet auf dekorative Schnitzereien, die mit der Zeichnung konkurrieren würden. Eine kostenlose Rahmung ist verfügbar, allerdings kann Aluminium in Räumen mit warmem Holz und gewebten Stoffen zu streng wirken. Dort erscheint ein heller Kiefernholzrahmen neben cremefarbenen Wänden, Eichenmöbeln und natürlichen Textilien weicher.
Ein ehrlicher Hinweis zu Passepartouts: Vermeiden Sie einen Ausschnitt, der eine Hand, eine Signatur oder einen breiten Papierrand beschneidet. Diese leeren Ränder sind Teil der Komposition und kein überflüssiger Raum um das Motiv. Sammler, die sich wegen Schiele an uns wenden, suchen fast immer die kleinsten und intimsten Blätter. Deshalb wirkt ein zurückhaltendes A4- oder Postkartenformat an der Wand häufig besser als ein stark vergrößerter Druck, der die Spannung der ursprünglichen Linie abschwächen kann.
Schon gewusst?
- Sein Geburtshaus im ehemaligen Bahnhof von Tulln ist heute ein Museum, das seinem Leben und Werk gewidmet ist.
- Seine erste öffentliche Ausstellung hatte er 1908 im Stift Klosterneuburg, als er 18 Jahre alt war.
- Seine jüngere Schwester Gerti stand häufig für frühe Porträts Modell und heiratete später seinen Akademiefreund Anton Peschka.
- Klimt starb im Februar 1918. Schiele fertigte in der Leichenhalle des Krankenhauses mehrere Zeichnungen vom Gesicht und von den Händen seines Mentors an.
- Das Leopold Museum besitzt 42 Gemälde und mehr als 180 Arbeiten auf Papier, die größte Museumssammlung mit Werken des Künstlers.
- Sein Secessionsplakat von 1918 zeigt Künstler, die an einem Tisch sitzen. Seine eigene Figur nimmt am Kopfende eine hervorgehobene Position ein.
Kurze Antworten auf häufige Fragen
Wo kann ich seine Werke im Original sehen? Das Leopold Museum und die Albertina in Wien besitzen bedeutende Bestände an Gemälden und Zeichnungen. Auch das Belvedere in Wien, die Neue Galerie in New York und das Museum of Modern Art in New York zeigen wichtige Beispiele. Wien ist die einzige Stadt, in der sich Gemälde, Arbeiten auf Papier und Archivmaterial auf einer einzigen Reise betrachten lassen.
Wie lässt sich eine Originalzeichnung von einer Reproduktion unterscheiden? Eine gedruckte Signatur beweist nichts, da sie zusammen mit dem Bild kopiert wird. Für ein Original sind eine dokumentierte Provenienz, eine Untersuchung von Papier und Pigmenten sowie ein Vergleich mit dem Werkverzeichnis von Jane Kallir erforderlich. Dieses Standardwerk weist jeder authentifizierten Arbeit eine K-Nummer zu.
Wie teuer sind die Originalgemälde? Häuser mit bunter Wäsche wurde 2011 bei Sotheby's in London für 24,7 Millionen Pfund verkauft. Arbeiten auf Papier kosten gewöhnlich weniger als bedeutende Ölgemälde, doch authentifizierte Werke können weiterhin sechs- oder siebenstellige Preise erreichen.
Schuf er zu Lebzeiten Druckgrafiken? Ja, doch die Zahl seiner Radierungen, Kaltnadelarbeiten, Lithografien und Holzschnitte war im Vergleich zu seinen Zeichnungen gering. Käufer sollten diese zeitgenössischen Grafiken von modernen digitalen Reproduktionen nach Gemälden oder Papierarbeiten unterscheiden. Eine Fine-Art-Reproduktion ist für die meisten Wohnräume die vernünftige Wahl, da selbst eine bescheidene Originalzeichnung weit außerhalb eines üblichen Budgets für Wanddekoration liegt.
Sind die Bilder in Europa urheberrechtsfrei? Das Urheberrecht an den Originalwerken ist erloschen, da der Künstler 1918 starb. Für eine neue Museumsfotografie oder einen digitalen Scan können jedoch eigene Nutzungsbedingungen gelten. Daher sollten die Veröffentlichungsrechte weiterhin bei der Institution geprüft werden, die das Bild bereitgestellt hat.
Über den Autor
MORYARTY kuratiert seit 2015 Reproduktionen von Vintage-Postern. Unser Team arbeitet zwischen Barcelona und Lissabon und beschäftigt sich seit mehr als einem Jahrzehnt mit europäischen Ausstellungsplakaten, expressionistischer Zeichenkunst und den praktischen Unterschieden zwischen Museumsaufnahmen und Drucken für private Wohnräume.